Como parte de las celebraciones del 20º aniversario de SCAD, el museo de la universidad presenta la primera exposición póstuma sobre la obra de Isabel Toledo.
‘Love Letter’ destaca la colaboración entre la difunta diseñadora -más conocida por crear el conjunto de la investidura de Michelle Obama- y su marido, el artista Rubén. La comisaria de la muestra, Christina Frank, me comenta que Isabel animó a Rubén -que trabajaba mucho en tonos blancos y negros- a añadir el color a su repertorio, y esta exposición representa este encuentro.
Love Letter, una retrospectiva sobre el trabajo de Isabel Toledo en SCAD
La mayoría de las piezas expuestas son de la década del 2000, una época que está siendo muy retomada en la actualidad. Aquí, Ruben Toledo nos habla de su conexión con Francia y la de Isabel, y de lo que define la moda americana:
El título de la exposición es bastante conmovedor…
Rubén: Todavía me resulta doloroso pensar en un futuro sin Isabel, pero quiero honrar su trabajo, y me encanta que SCAD honre su trabajo. Compartir sus ideas de diseño y su filosofía es importante para mí; esa es mi misión ahora. Todavía estoy de luto por Isabel y por la pareja [que éramos], los Toledo. Esa pareja [se ha ido], así que soy su custodio. Estoy aquí para trabajar y asegurarme de que sus archivos y su obra sigan siendo pertinentes e importantes y se compartan con la próxima generación.
¿Qué aspectos de ese trabajo cree que se destacan más en esta exposición?
Creo que [los comisarios] eligieron piezas que ilustran cómo la ingeniería [de Isabel] y su inteligencia en la construcción son siempre elementos muy evidentes, lo inteligente que es la confección y el diseño de sus prendas, y su estructura para ‘ponértelas y olvidarte de ellas’; están tan perfectamente confeccionadas que ya no tenías que pensar en ellas; casi puedes llevarlas del revés, de delante a atrás, y aún así funcionan.
Isabel siempre decía que vestía la emoción. La forma en que Isabel realmente expresaba las emociones en la tela y la forma de hacer las cosas. Si algo era delicado o fuerte o agresivo o frágil, le gustaba dirigirse a las emociones de cada una de ellas. Permitía a las mujeres seguir expresándose y [hacía lo mismo para] ella misma. Así que creo que eso es lo más destacado. Y la idea de que estamos utilizando las citas de Isabel y algunos de mis escritos sobre Isabel; hay cuadernos personales y cuadernos de bocetos involucrados. Queríamos tocar el tema de cómo la moda, en su apogeo, y el buen diseño es más que ingeniería, es también una emoción, y se relaciona también de relaciones personales. Alimenta tanto el corazón como la mente.
La moda tiene que vivir en el mundo y tiene que servirte. Creo que el hecho de haber trabajado con trajes desde el principio, ya sea con nuestros amigos artistas, como Klaus Nomi, o con coreógrafos, como Twyla Tharp o Bill T. Jones, nos hizo comprender la diferencia entre el traje y la ropa real. A veces los trajes pueden ser impresionantes, pero es un disfraz, es una fachada, pero se puede aprender mucho de una fachada que luego puedes interpretar para la vida real.
[Pero la moda] debe funcionar, Isabel era muy consciente de ello. Tiene que vivir en tu armario y tienes que querer llevarlo a menudo. Isabel [también sabía cómo estar a la altura de] esos momentos especiales en los que, sí, vas a llevar este [look] y quieres verte impresionante, y no te quieres sentar; ella también entendía eso.
Algo en lo que he estado pensando mucho es en la tradición de la confección en Latinoamérica y en España. Parece un proceso más colaborativo que en la Alta Costura
Isabel siempre se consideró primero costurera y luego diseñadora. Siempre decía: ‘Soy costurera’, y recuerdo que se lo dijo a Karl [Lagerfeld] y éste le dijo: ‘Eres más que una costurera, eres una modista’, pero su idea era que estaba al servicio, al servicio de ella misma y al servicio de las mujeres y de los clientes. Hay una colaboración entre la persona que lo va a llevar y tú, pero en última instancia la costurera, o la couturiere, está al servicio de ellos.
Pero supongo que en nuestras mentes, como somos artistas, se da por sentado que tenemos una visión, se da por sentado que tenemos un ideal en mente. Incluso si tu cliente te dice: ‘Sólo quiero algo muy sencillo que pueda llevar durante horas’, vas a darle esa otra cosa que no sabe que quiere, que es tu visión. Ahí es donde entra la poesía.
Encuentro mucha poesía en los patrones de Isabel
Una parte de la exposición es mi trabajo en tinta basado en los patrones de Isabel, porque sus patrones me siguen sorprendiendo. Cuando miro las piezas del patrón... son estos símbolos gráficos. A veces se parecen a bichos, a veces a personajes, o a santos afrocubanos... son tan poderosos. El hecho de que Isabel pensara en su ropa con estas formas gráficas que luego se convierten en estas cosas fluidas, etéreas y elegantes que siguen el cuerpo, siempre me ha sorprendido.
Así que honro su arte del patronaje y las formas. Y por eso Karl la llamaba couturiere, porque sabía hacer un patrón, sabía cortar el vestido y luego sabía coserlo perfectamente, es decir, un ciclo completo. Cuando Isabel hacía ropa, pensaba en que debía durar para siempre. Muchas de nuestras clientas nos devolvían la ropa si había que repararla o repasarla; eso formaba parte del servicio de Isabel. Todo lo que hacíamos en nuestro estudio estaba destinado a durar para siempre, en su mente la ropa siempre nos sobrevivía, y esa es una hermosa manera de pensar en lo que uno hace.
¿Y cómo se relaciona lo que hacía Isabel con la Alta Costura?
Teníamos amigos increíbles como Bill [Cunningham], y Juan Ramos y Antonio López [director creativo e ilustrador], que nos enseñaron mucho sobre la Alta Costura y la moda. Cuando Juan vio la ropa de Isabel, dijo: ‘Tu ropa se parece a lo que era la alta costura de antaño’... Lo que se ve ahora en la Alta Costura, no era así cuando fuimos por primera vez a París, ibas a un desfile de Alta Costura y veías esas prendas exquisitas; era simplemente una mujer con un vestido precioso, y no entendías por qué se veía tan bonita, qué tenía de especial ese vestido… porque eso eran todos los secretos de lo que había dentro. No se trataba de anunciar al mundo que esta era tal o cual marca.
No era una marca, era un vestido hecho para que esa mujer se sintiera exquisita y se moviera sin esfuerzo y se viera increíble. Cuando lo tomabas en tus manos, estaban todos los secretos... el bolsillo escondido en la costura, y la forma en que se encorvaba en él era por esa construcción o la forma en que el equilibrio del vestido se movía de esta manera. Todos esos trucos de magia son los que enamoraron a Isabel, y eso es lo que ella ya hacía, y Juan lo vio en la sencillez de lo que hacía ella en ese entonces.
Eso [nos ayudó a mantenernos centrados] porque hasta entonces, lo creas o no, nuestros amigos con buena intención nos decían: 'Tienes que hacer ropa más llamativa, tienes que hacer cosas que destaquen más', pero Isabel tenía un talento tan silencioso. Su inclinación natural era hacer algo secreto y misteriosamente brillante; como si no supieras por qué, pero simplemente te cautivaba. Ese es el tipo de persona que era; era una cautivadora sin focos, y le gustaba que fuera así.
¿Cuál es la relación que los une a Francia?
Empezamos a presentarnos a finales de los 80 en París para intentar hacer algunos negocios, porque la industria en Nueva York se puso muy mal en el 87, 88. Por supuesto, cuando el negocio va mal en Nueva York, los jóvenes diseñadores son los primeros en ser eliminados del presupuesto. Esto era como una producción de Little Rascals, nos encontramos cosiendo hasta la noche anterior en una pequeña habitación de hotel. Bill Cunningham fue quien nos orientó sobre dónde alojarnos de forma barata. Suzanne Bartsch estaba en la puerta de al lado porque había venido para el Love Ball con todo el equipo. Puedes imaginarte, era un hotel de inadaptados.
Los primeros años era esta locura, hermosa, casi un cuarto lleno de moda. Recuerdo que RuPaul era parte de esa tripulación antes de tener su programa de televisión. Y nos presentábamos en pequeños cafés, o pequeñas mazmorras debajo de los restaurantes, bodegas. Por supuesto, nuestros desfiles eran minúsculos y había muy poca gente en el público, pero eran personas realmente increíbles, como nuestra amiga Bettina Graziani, que era la musa de Givenchy. Luego empezamos a vender en Colette y en las Galerías Lafayette.
Nunca habíamos estado en Europa hasta que empezamos a hacer eso, así que eso nos abrió una forma totalmente nueva de experimentar cómo los franceses veían la moda, y realmente cómo se ven como una cultura y en el arte. Fue una gran fusión y eso nos abrió la puerta intelectualmente a cómo la gente podía percibir la moda y cómo se podía dar ese salto para presentarla como un arte casi puro.
¿Cómo les recibieron en París?
Muchos [franceses] decían: ‘Usted no es una diseñadora americana, es una diseñadora española’, y no entendían que ella viniera de Estados Unidos, pero Isabel apreciaba mucho la industria. Le encantaban las máquinas de coser, la producción en masa y la idea de los patrones inteligentes, como piezas de puzzle, que no pueden equivocarse al momento del corte, ya sea en encaje, en tela vaquera, en cuero o en una simple lona.
Las respuestas a todas las preguntas que tienes sobre la nueva exposición de la MET Gala en 2022, cuyo tema en inglés es In America: An Anthology of Fashion.
¿Qué tiene de estadounidense el trabajo de Isabel?
Siempre vuelvo a la palabra ‘utilidad’. Isabel y yo apreciamos mucho los excedentes del ejército y la ropa de trabajo, así como la utilidad de las cosas. Creo que el desenfado americano, la dejadez y el permitir los errores, y el caos como parte de lo que se da, eso es siempre un aire fresco.
Como nos equivocamos en todo, inventamos lo nuevo, porque todo estaba mal. Y estamos siempre abiertos a eso y eso… Crear algo nuevo, esa fricción es siempre nueva. Creo que la forma americana de afrontar la vida... tiene algo de aspiracional.
Incluso cuando estás al borde del abismo, existe la idea de que puedes bailar para llegar al futuro, como nos ha dicho Hollywood. Siempre ponemos una cara mejor, más brillante. No tenemos mucha historia porque estamos ocupados inventándola, y esa es una hermosa manera de ver la vida, no dejas que el pasado te arrastre, tienes que hacer que el nuevo capítulo suceda. Y creo que la moda y el diseño estadounidenses siempre tienen esa especie de optimismo de que todo puede suceder.
La ropa de Isabel es atemporal y oportuna al mismo tiempo. Muchas de las piezas de la muestra son de la década de 2000, ¿cómo reflejan ese periodo?
El motivo por el que ese periodo es interesante es que por fin estábamos logrando algún tipo de estabilidad financiera. Nos llevó todo ese tiempo, [llegar] a poder trabajar con textiles hermosos de un nivel mucho más alto del que nos habíamos podido permitir antes. Y creo que la sociedad estadounidense estaba ganando más dinero y gastando más dinero en ropa en esa época y eso nos llevó al momento de Michelle Obama, a decir verdad.
Era como una cuesta arriba, cada temporada, las cosas eran cada vez más exuberantes, y los clientes esperaban técnicas cada vez más bonitas. Así que era una licencia para pasar más tiempo haciendo cosas realmente exquisitas, más que nunca. Isabel siempre puso ese interés, aunque fuera un vestido camisero... Pero la idea es que ahora estábamos utilizando tejidos lujosos y encajes en capas. Isabel trabajaba en la corsetería de algo con la misma exquisitez que en el vestido que se iba a poner encima de esa pieza interna, era capaz de poner todo ese cuidado y energía y tiempo y, por supuesto, gastos en la confección de algo porque había una clientela para ello.
¿Qué más quiere que se lleven los visitantes de la exhibición ‘Love Letter’?
Para mí lo importante es compartir el hecho de que Isabel era una creadora tan intrépida y muy consciente de que estaba al servicio de la gente. Era una mujer tan valiente en todos los aspectos; valiente en cuanto a su talento, valiente en cuanto a su forma de acercarse al mundo, y por eso, este empoderamiento le daba a las mujeres una extensión de ella misma.
Me encanta eso de ella. Me dio poder al verla ser así, y ver su crecimiento también, en el mundo de la moda y en el mundo en general, fue algo hermoso. Quiero que los estudiantes de la SCAD y cualquier visitante sientan eso, ese empoderamiento y esa nutrición que se produce cuando las cosas se crean con amor y por amor. Es realmente un efecto dominó que llega al público. El público lo siente, y ella era consciente de ello. Realmente lo era.
Artículo originalmente publicado en Vogue US, vogue.com. Adaptado por Ramón Barreto.
